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Galería / Stephen Hodgetts: «Vintage Dress Making Scissors»

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Vintage Dress Making Scissors
England
2014


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Galería / Claudio Montegriffo: «I See You»

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I See You
Arcola, Italia
2012


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Galería / Lilyan Aloma: «Cityscape Broadway»

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Cityscape Broadway
New York City, NY
2013


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Galería / Ryan Synovec: «Nevermore»

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Nevermore
Seattle, WA
2008


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Cine / «Dunkerque», horror en el frente de Christopher Nolan

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Christopher Nolan
Las tropas aliadas en Dunkerque. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 19 de febrero de 2017. (RanchoNEWS).- Christopher Nolan, el nuevo Rey Midas de Hollywood, se acerca a la II Guerra Mundial para narrar la evacuación de Dunkerque. El estreno del filme, que utiliza códigos del género de terror, viene acompañado por la publicación en HarperCollins del libro en el que se inspiró el director. Javier Yuste escribe para El Cultural.

El 18 de mayo de 1940 se consumó la tragedia para los Aliados: casi un millón de soldados había quedado embolsado en el norte de Francia tras la invasión relámpago que el ejército alemán había llevado a cabo por la región de las Ardenas y que en tan solo ocho días había arribado al Canal de la Mancha. La batalla de Francia se había perdido y solo quedaba la opción de la retirada, aunque no iba a ser fácil llevarla a cabo teniendo como única escapatoria el mar del Norte. Mientras varios cuerpos aliados mantenían a duras penas un cerco de seguridad de 80 kilómetros, más de 300.000 soldados británicos, belgas y franceses fueron evacuados a la desesperada de las playas de Dunkerque en una operación que recibió el nombre de Dinamo. En ella participaron, además del ejército, marineros y civiles que pusieron al servicio de la misión su vida y sus barcos.

El éxito de la maniobra fue vital para el desenlace de la Segunda Guerra Mundial, y no solo porque sin los soldados rescatados los británicos se hubieran visto obligados a capitular. El episodio, bien gestionado a nivel propagandístico, insufló las fuerzas necesarias al pueblo británico para afrontar todos los obstáculos en el camino hacia la victoria. «Jamás nos rendiremos», espetó Winston Churchill al mundo.

«Es una historia grandiosa. Muy universal, a mi modo ver», explica Christopher Nolan (Westminster, 1970) en una entrevista incluida en Dunkerque (HarperCollins) de Joshua Levine, libro en el que se ha basado el cineasta inglés para desarrollar la historia de su filme homónimo, que se estrena este viernes. «Estuve dándole vueltas a cómo podía plantear la película y a por qué nadie lo había intentado hasta entonces. Y finalmente llegamos a la conclusión de que se debía a que Dunkerque fue una derrota. Y a que sería una película muy cara de producir. Muy aparatosa. Es una historia épica, da igual cómo la estructures».

Carta blanca

La épica viene siendo una constante en la filmografía del director inglés desde que en 2005 reiniciara la saga de Batman con tres irregulares filmes que enmascaraban el simple entretenimiento bajo grandes dosis de oscuridad y grandilocuencia. La fórmula funcionó en taquilla y convenció a gran parte de la crítica y el autor de aquel deslumbrante experimento narrativo que fue Memento (2000) lograba entonces carta blanca de los grandes estudios para afrontar sus nuevos, caros y algo pretenciosos proyectos. Primero se desmarcó con Origen (2010), un alambicado thriller de deslumbrante factura visual que se desarrollaba en territorios oníricos, y más tarde se zambulló en las procelosas aguas de la ciencia-ficción con Interstellar (2014), un frenético homenaje a los filmes del género de cineastas como Kubrick, Spielberg y Tarkovsky. En ninguna de ellas perdió Nolan la oportunidad de seducir al espectador con las espectaculares set-pieces de acción a las que nos tiene acostumbrados.

Por todo esto parece natural que el director, cuyo abuelo murió combatiendo en la Segunda Guerra Mundial a bordo de un avión Lancaster, acabara posando su mirada en el género bélico, en el que tan bien parecen imbricarse todas sus inquietudes. Sin embargo Dunkerque se acerca al conflicto de un modo más íntimo que totalizador, indagando en la historia de supervivencia de los soldados y no tanto en la toma de grandes decisiones. «No la veo como una película de guerra», explica Nolan. «Por eso no se ve a los alemanes en pantalla y por eso está planteada desde el punto de vista de los puros mecanismos de supervivencia, más que desde un enfoque político». De esta manera el director afirma que no intentó competir con clásicos del género como Sin novedad en el frente (1930) de Lewis Milestone, La delgada línea roja (1998) de Terrence Malick, o Salvar al Soldado Ryan (1998) de Steven Spielberg. «Dunkerque es una película de suspense, pero tratamos de llevar el suspense visceral lo más lejos posible. De modo que indudablemente te adentras en el lenguaje propio de las películas de terror».

El filme, que ha logrado poner en marcha todos los recursos de la maquinaria industrial de Hollywood para contar la historia de una derrota -algo bastante difícil de vender en la Meca del Cine- cuenta con un reparto en el que destacan Tom Hardy, Cillian Murphy, Kenneth Branagh, Mark Rylance y la pop-star Harry Styles, ex One Direction. Ellos escenifican la intrahistoria de la evacuación, un maremágnum de relatos individuales y subjetivos en los que es muy difícil encontrar un único elemento simbólico que resuma todo lo que aconteció en la playa de Dunkerque. «Todas mis películas tratan de experiencias individuales, de contradicciones potenciales con la realidad objetiva, y esta película intenta dejar espacio para el número infinito de vivencias y anécdotas que se contradicen entre sí o que sirven de glosa unas a otras», explica Nolan, que en un momento del filme incluyó una escena que le había relatado un veterano de Dunkerque en la que vemos como un soldado se desnuda para meterse en el agua. «No sé qué está haciendo ese hombre, si piensa suicidarse o si de verdad cree que puede escapar de allí a nado. Y la razón de que no lo sepa es que creo que incluso le pregunté si ese hombre iba a suicidarse, y no sabía la respuesta. Y era algo que había visto con sus propios ojos».

Del Brexit a la emigración

El «Espíritu de Dunkerque» hoy está en riesgo de extinción. El Brexit ha generado una crisis en el seno de la Unión Europea y esa alianza trasnacional para enfrentarnos juntos a las adversidades parece que ha pasado a mejor vida. En los márgenes de la nueva película de Christopher Nolan aparecen paralelismos con la actualidad que alcanzan cuestiones como las crisis migratorias. «Una de las cosas más terribles que vive Europa es que nos enfrentamos de nuevo a los problemas físicos, materiales, que plantea el hecho de que un gran número de personas traten de abandonar un país en pequeñas embarcaciones para llegar a otro. Es un paralelismo espantoso, pero en nuestro mundo tecnológicamente avanzado es muy fácil olvidar la importancia que reviste la física más elemental. Teniendo en cuenta que eso está pasando en el mundo actual, no creo que nadie pueda desdeñar lo sucedido en Dunkerque como algo perteneciente a otro mundo o a otra era», opina Nolan.


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Cine / España: Se estrena restaurado el filme checoslovaco «Ikarie XB-1»

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Ikarie XB-1
Un fotograma de Ikarie XB-1. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 20 de julio de 2017. (RanchoNEWS).- La moderna ciencia-ficción en el cine nació gracias a las ganas de hacer méritos ideológicos de algún preboste del gobierno checoslovaco. Ikarie XB-1 (1963) nació como un filme de propaganda comunista y fracasó en ese objetivo, pero en cambio el filme influyó en 2001: una odisea del espacio, en Solaris y en Star Trek, convirtiéndose con el paso del tiempo en un título de culto. Durante décadas su visionado fue casi imposible, hasta que en 2016 el festival de Cannes estrenó una copia restaurada digitalmente por los archivos nacionales de cine de Praga y Budapest, y esa nueva versión es la que se estrena hoy en España. Gregorio Belinchón reporta para El País.

Ikarie XB-1 protagoniza un capítulo tan fascinante como rocambolesco de la historia del cine. A finales de los años cincuenta y principios de los sesenta la URSS encabezaba la carrera espacial: suyos fueron el primer satélite en órbita y el primer ser vivo en el espacio (la perra Laika). Para dar más resonancia a estas hazañas, el KSC, el Partido Comunista de Checoslovaquia, decidió producir en 1959 una película sobre el espacio que alabara además el sistema socialista. Para ello contrataron al mejor director joven posible, Jindřich Polak, que ya había realizado filmes de aventuras y colaborado en un gran éxito previo de la ciencia-ficción, Krakatit. De presupuesto, seis millones de coronas, el triple de lo habitual. Y para que no hubiera dudas del poso ideológico, los jerifaltes del partido también seleccionaron la historia: El cometa de plata, su primer título provisional, adaptaría La nube de Magallanes (1955), del polaco Stanislaw Lem.

El proyecto se hizo público en 1961, rebautizado como Finales de junio de dentro de 200 años, en coincidencia con el viaje de Yuri Gagarin, el primer ser humano en dar una órbita alrededor de la Tierra (su vuelo especial solo duró 108 minutos). Y la película se estrenó el 26 de julio de 1963, titulada ahora Ikarie XB-1, nombre de la nave espacial en la que viajan, en la segunda mitad del siglo XXII, una tripulación multinacional -formada por 40 científicos- que se dirige hacia la constelación Alfa Centauri para buscar una nueva forma de vida extraterrestre. En su camino se cruzarán una nave estadounidense del siglo XX y una estrella negra que desestabiliza la salud de los cosmonautas. En su cogollo, se mantiene la pausa y la filosofía de la obra de Lem, lo que la aboca a un estreno desastroso: el público la rehuye.

Así comienza la segunda parte de la vida de Ikarie XB-1, porque la película logra un eco inesperado en Europa y Estados Unidos. En julio de ese año, en el Festival de Trieste, comparte el premio a mejor película junto a otro mito de la ciencia-ficción, La Jetée, de Chris Marker. En el jurado, entre otros, el escritor Kingsley Amis y el corresponsal de Corriere della Sera, un semiólogo llamado Umberto Eco que la alabará en su crónica. El diario británico Financial Times la define, en su estreno en Reino Unido, como «la obra cinematográfica de ciencia ficción más importante desde el final de la guerra». En Estados Unidos la compra para su distribución American International Pictures, que la bautiza como Viaje al fin del universo, la remonta y la recorta, sustituye los títulos de crédito con nombres anglófilos (Jindřich Polák se convierte en Jack Pollack) y le varían el final: si en la versión checoslovaca en el último plano se ve la superficie de un planeta industrializado, en la estadounidense se pegó un plano con tomas aéreas de Manhattan y la Estatua de la Libertad, un cierre que cuatro años después se repetiría en El planeta de los simios.

Anthony Frewin, el ayudante de Stanley Kubrick durante décadas, contaba que el cineasta vio Ikarie XB-1 antes de afrontar 2001, una odisea del espacio. Y efectivamente, existen elementos comunes: un ordenador con voz que funciona como personaje secundario, la búsqueda de otras inteligencias, los largos pasillos hexagonales en la nave que lucen visualmente en planos secuencias. Para rematar las coincidencias, el primer título de trabajo de 2001 fue exactamente Viaje al fin del universo.

Ikarie XB-1 inspiró también a Gene Roddenberry, quien recuperó esa idea de un grupo de viajeros espaciales de sexos y nacionalidades distintas que trabajan juntos en armonía para Star Trek, una serie que presentó a Paramount y que empezó a emitirse en 1966. Y por supuesto, queda su paralelismo con Solaris, de Andréi Tarkovski, ya que ambas nacen de sendas novelas de Lem.

La película desapareció durante décadas en la historia del cine, hasta su restauración. Ahora, tras su paso por varios festivales, se estrena en salas. En Madrid presentará algunos de sus pases otro fan del filme, Alex de la Iglesia. El vuelo de la Ikarie XB-1 llega, por fin, a buen puerto.


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Cine / El universo fantástico y surreal de Tim Burton arribará a la Ciudad de México

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tim burton
Aspecto de la exposición de Tim Burton en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en imagen tomada de la página oficial de ese recinto. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 21 de julio de 2017. (RanchoNEWS).- El universo fantástico y surreal de Tim Burton arribará a la ciudad de México, entre el Día de Muertos y la Navidad, festividades que han marcado la estética del cineasta y creador estadunidense. Alondra Flores Soto reporta para La Jornada.

Criaturas más allá del imaginario de la pantalla grande, como el joven manos de tijera, Jack y su extraño mundo, una novia cadavérica, o Alicia en el país de las maravillas, permitirán adentrarse en el mundo forjado por la imaginación de este creador, en el Museo Franz Mayer, sede de la exposición del primero de noviembre de 2017 al primero de enero de 2018.

Muñecos, esculturas, dibujos, bocetos, escenografías, vestuarios y fotografías articulan la muestra, que se esparció como un rumor entre los fanáticos mexicanos y de la que finalmente los organizadores darán a conocer los detalles el 26 de julio.

Sin embargo, no es la primera vez que Burton abre su cabeza para ser diseccionada por el espectador más allá de la pantalla y dar conocer lo que hay detrás de sus creaciones, fuente de inspiración para generaciones de artistas y que se inscriben en la cultura popular en el mundo.

En 2009 el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York montó una gran retrospectiva del autor, integrada por cientos de piezas relacionadas con su obra fílmica, que permitieron rastrear el complejo y torcido camino de la imaginación del ilustrador, escritor, fotógrafo y escritor nacido en Burbank, California, en 1958. Desde su infancia californiana y sus primeros trabajos fueron traídos a escena hasta sus propuestas más elaboradas.

Ron Magaliozzi, uno de los curadores en la muestra de la Gran Manzana, destacó que Burton es reconocido por su trabajo en el cine, con películas como Beetlejuice, El joven manos de tijera, El extraño mundo de Jack o Sweeney Todd, pero en esa ocasión se trasladaban detrás de la pantalla, hasta los archivos mentales e influencias artísticas del cineasta y artista, quien se inspira en la cultura pop, el expresionismo alemán y el ambiente gótico. Al igual que en el cómic, películas de animación, literatura infantil, monstruos japoneses y ciencia ficción.

Desde niño comenzó a dibujar esas terroríficas criaturas, con dientes afilados y sombría personalidad. Más tarde, en su carrera de cineasta, esta faceta de dibujante ha sido determinante para transformarlas en historias en movimiento, con sus universos oscuros y torcidos, a veces entre escenarios oscuros y recargados de color.


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Galería / Gilles Ehrmann: «Artist Georges Braque»

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Artist Georges Braque
1952c


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Galería / Mitch Dobrowner: «Rainstorm»

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Rainstorm
Owens Valley, CA
2007


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Música / España: Ted Gioia publica «Cómo escuchar jazz»

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El afamado especialista en el género publica Cómo escuchar jazz, una guía para disfrutar de esta música sin tener que profundizar en la teoría. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 20 de julio de 2017. (RanchoNEWS).- Dice Ted Gioia que «el jazz es como un caballo salvaje, el género musical más impredecible». No es de extrañar pues que mucha gente le tenga miedo. «Les preocupa no tener el conocimiento técnico necesario para entenderlo», relata a El Cultural este experto en jazz, uno de los más reconocidos a nivel internacional, autor de una canónica Historia del jazz que escribió en 1992, revisó en 2011 y un año más tarde publicó en español la editorial Turner. Fernando Díaz de Quijano escribe para El Cultural.

Pero él cree que «la mayoría de los componentes clave de la música, incluso en algo tan aparentemente arcano como el jazz, se pueden entender sin formación avanzada». Por eso ha escrito Cómo escuchar jazz (también en Turner), mucho más corto que su obra más ambiciosa y con un tono muy distinto. Como su título indica, se trata de una guía para ayudar a esas personas que salen corriendo ante la complejidad del jazz. «Quiero abrir los oídos de la gente», insiste. «Quiero mostrarles cómo escuchar la música a un nivel más profundo. De algún modo, es como una guía para la meditación. Ayuda a la gente a aprender cómo sacarle el máximo partido a una concierto de jazz, o de cualquier otro tipo de música». Su lectura no puede ser más apropiada en estas fechas: este jueves se inaugura el Jazzaldia de San Sebastián y por delante quedan aún muchas citas estivales con el jazz por toda España.

La primera parte del libro es una guía detallada, con el nivel conceptual justo para que el profano no se pierda y el aficionado avanzado (o incluso el músico o el crítico) no se aburra. Además, Gioia aprovecha para tirar de las orejas a una buena parte de la crítica, esa que levanta o deja caer el pulgar de manera aparentemente arbitraria porque jamás revela su método a la hora de evaluar la música. Por tanto, este libro, que revela el método de Gioia, es también un acto de honestidad como crítico de alguien que además es músico y profesor.

Por otra parte, Gioia cree que una parte demasiado grande de la crítica musical de hoy en día se olvida de la música. «Los críticos tratan la música como una especie de producto de consumo de moda. Escoges canciones del mismo modo en que eliges un par de zapatillas Nike o un reloj Apple, y la música se convierte en una expresión de tu estilo de vida. Mi modo de enfocar la música es muy distinto. Respeto la experiencia musical en sus propios términos. No quiero convertirla en un producto».

Los seis ingredientes de la pócima del jazz

¿A qué debemos prestar atención cuando escuchamos jazz? Para Gioia, los factores que debemos tener en cuenta, mucho más detallados en el libro y acompañados de ejemplos, son los siguientes:

1. Ritmo. ¿La sincronía entre los miembros de la banda suena natural y relajada (aun en los tempos rápidos) o forzada y en constante tensión? Esta es la primera clave para distinguir a los artistas de primera fila del resto. Además, el swing (el carácter sincopado propio del jazz, que consiste en la acentuación y prolongación de las notas que ocupan los tiempos débiles) tampoco debe tener un carácter mecánico.

2. Fraseo, es decir, la manera en que los miembros de la banda interpretan sus partes melódicas individuales. ¿Tienen ideas variadas o repiten las mismas fórmulas constantemente? Gioia también señala un fallo de los músicos amateur: la sobreactuación, el horror vacui que les empuja a querer rellenar todos los espacios de la canción con un exceso de notas.

3. Tono y timbre. El tono es la altura de la nota y el timbre es la calidad del sonido, que puede ser más espeso, más etéreo, limpio o turbio. La libertad en el timbre fue una de las grandes innovaciones del jazz frente a la tradición sinfónica. Explica Gioia que la tradición musical occidental ha estado constreñida por la tonalidad desde la época clásica. Mientras que su propósito es crear notas, el de la música africana es crear sonidos. Hace cien años el jazz sacó a la música de su «jaula» tonal y el primero que entendió el matrimonio entre occidente y África fue Duke Ellington. Al mismo tiempo identifica una nueva corriente en el jazz que está regresando a una manera de frasear uniforme y con un afán por centrar las notas a la perfección en su tono correspondiente.

4. Control del volumen (lo que en el lenguaje de la música se denomina dinámica). ¿Cómo trabaja la banda las variaciones de volumen? Que todos los miembros de la banda oscilen entre el pianissimo y el fortissimo y viceversa de manera coordinada es algo que puede ensayarse o puede improvisarse mediante «telepatía» (como era de esperar, Gioia admira más a quienes lo consiguen por el segundo método). Los mejores en esto, según el autor del libro, han sido el trío de Ahmad Jamal, el pianista Erroll Garner, el baterista Art Blakey o The Modern Jazz Quartet.

5. Personalidad. Nadie interpreta el jazz de la misma manera. «Las relaciones matemáticas que apuntalan la música son las mismas para todos los intérpretes, aunque cada uno aborde un solo de jazz de manera diferente», explica Gioia. Además, tiene la teoría de que la personalidad de un músico es la misma fuera y dentro del escenario y asegura que es capaz de averiguar cómo toca un músico cuando lo conoce en persona, antes de escucharlo; del mismo modo, intuye cómo es alguien en su trato con la gente a partir de la escucha de sus discos.

6. Espontaneidad. «Este último ingrediente del cóctel del jazz puede que sea el más importante de todos, pero es endiabladamente difícil de aislar y describir». Para Gioia, la espontaneidad está más determinada por la actitud que por la técnica, aunque no puede desarrollarse libremente sin un alto nivel de destreza, y es lo que sitúa al jazz en «el reino de lo poético y de lo milagroso, del acontecimiento que sucede una vez y que no se volverá a dar». Por tanto, el jazz es «para aquellos que quieren estar presentes cuando ocurra el milagro».

Estructura, orígenes, evolución

Tras compartir sus trucos de crítico, Gioia dedica más de la mitad del libro a proveer al lector de algunos fundamentos teóricos sobre la estructura de las composiciones. También repasa brevemente, en una versión reducidísima de su Historia del jazz, la evolución de los distintos estilos de este género que nació en el cambio de siglo del XIX al XX. Hay cierto consenso en que el primer músico de jazz fue Buddy Holden (Gabriel Jiménez Emán contó su historia recientemente en El último solo de Buddy Bolden, editorial Menoscuarto), aunque no dejó ninguna grabación. A pesar de que el origen del jazz sigue teniendo algunas zonas misteriosas, sabemos que nació en Nueva Orleans, crisol de culturas donde se mezclaron el blues y el ragtime (los dos géneros más importantes para el nacimiento del jazz) con las marchas y la música de baile de la época. A todo esto los pioneros del jazz añadieron unas gotas del folclore de sus respectivos países de origen.

Después de repasar el surgimiento del jazz tradicional, Gioia establece la cronología de los diferentes estilos dentro del jazz: el de Nueva Orleans, el de Chicago, el de Kansas City; la era del swing y las big bands; la revolución del bebop, la reacción del cool jazz, el hard bop y el free jazz, y las posteriores fusiones con el rock, la world music o la clásica.

Por último, Gioia dedica el sexto capítulo, casi una cuarta parte del libro, a detenerse más en algunos músicos innovadores, aquellos que de manera individual marcaron un antes y un después en el jazz: Louis Armstrong, Coleman Hawkins, Duke Ellington, Billie Holiday, Charlie Parker, Thelonious Monk, Miles Davis, John Coltrane y Ornette Coleman. Todos ellos están muertos, pero el jazz continúa evolucionando y además es una experiencia transformadora que debe vivirse en directo. Por eso lanza al final una lista, como punto de partida para la investigación del lector, con 150 nombres de músicos en el comienzo o en la mitad de su carrera a los que seguir la pista (entre los que no incluye ningún español).

«El primer paso para los oyentes es aproximarse a la música con una mentalidad abierta. Muchas de las experiencias musicales más poderosas ocurren cuando dejas que la música te guíe y dejas que te lleve adonde nunca antes has estado», asegura el experto. «Este tipo de experiencias musicales son cada vez más raras en la sociedad orientada al consumo que tenemos hoy, pero aún son posibles. El jazz es uno de los mejores lugares donde encontrarlas».


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Obituario / Max Gallo

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afp
Max Gallo en una fotografía de archivo de 1989. (Foto: AFP)

C iudad Juárez, Chihuahua. 19 de julio de 2017. (RanchoNEWS).- El escritor, académico y político francés Max Gallo, autor de más de un centenar de libros y célebre por sus biografías de Robespierre, Garibaldi, Napoleón o Julio César, ha fallecido a los 85 años de edad, anunció este miércoles su editorial, XO. Una entrega de Efe.

Gallo, nacido en Niza en 1932 y afectado en los últimos años por la enfermedad de párkinson, murió este martes, precisó el diario Le Figaro, que destaca la activa participación del historiador en la vida política e intelectual del país.

Militante del Partido Comunista Francés (PCF) hasta 1956, Gallo se adhirió a finales de los 70 al Partido Socialista antes de cofundar en 1993 junto con Jean-Pierre Chevènement el Movimiento de los Ciudadanos.

Hijo de inmigrantes italianos, este doctorado en Historia, condecorado con la Legión de Honor de Francia y conocido también por novelas de política y ficción, encontró en La Baie des Anges (1976) uno de sus principales éxitos.

Miembro de la Asamblea Nacional francesa y portavoz del Gobierno socialista de Pierre Mauroy entre 1983 y 1984, en 2007 apoyó, sin embargo, la candidatura presidencial del conservador Nicolas Sarkozy.

Gallo, que publicó algunas de sus obras con el pseudónimo de Max Laugham, ingresó en 2007 en la Academia de la Lengua Francesa, donde ocupó el sillón dejado vacante por la muerte un año antes del filósofo Jean François Revel.

«Nos creemos inmortales y no lo somos», dijo el también biógrafo del general Charles de Gaulle y del escritor Victor Hugo cuando anunció en mayo de 2015 que sufría párkinson


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Cine / Francia: El filme «Valérian», ‘fiel’ al espíritu del cómic

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Cartel de la cinta. (Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 16 de julio de 2017. (RanchoNEWS).– «Luc Besson se ha apropiado de nuestros personajes», comenta satisfecho el dibujante de Valérian, Jean–Claude Mézières, feliz de que el cineasta se haya mantenido «fiel» al espíritu del cómic, creado hace 50 años con Pierre Christin, elogiando no obstante su «gran libertad de interpretación», informa lagencia AFP desde París.

«Valérian», la película más cara jamás rodada en Francia, fue antes que nada una gran serie de cómics de cuyos 23 números, traducidos a una veintena de idiomas, se han vendido más de 5 millones de ejemplares en todo el mundo.

El filme, llamado «Valérian y la Ciudad de los mil planetas» está inspirada, al contrario de lo que pudiera sugerir el título (¡pues existe un cómic llamado «El imperio de los mil planetas»!), en el cómic «El embajador de las sombras» (el séptimo de la colección).

«‘El embajador de las sombras’ es uno de los cómic germen de Valérian», explica a la AFP Pierre Christin, guionista de la colección de cómics de ciencia ficción francesa más famosa, junto a su cómplice Jean–Claude Mézières en su taller parisino.

«Es lógico y acertado que Luc Besson haya elegido precisamente este cómic para hacer su primera película, aunque haya comprado los derechos de los otros títulos», considera el guionista, que a finales de julio celebrará su 79º cumpleaños.

Si el filme resulta en éxito, Luc Besson se plantea realizar uno o dos trabajos más basados en «Valérian».

La serie «Valérian» se caracteriza por su enfoque humanista, bastante inusual en el campo de la ciencia ficción. En la serie, los «Aliens» no constituyen una amenaza para la humanidad, si no todo lo contrario. Según Mézières y Christin, la película respeta «los valores humanistas y antirracistas» del cómic, aunque «sea espectacular, con mucha pirotecnia y estruendo».

Christin y Mézières forman parte de los pocos espectadores que han visto el filme antes de que llegue a las salas.

«Me temía un poco que pudiera parecerse a una película de ciencia ficción estadounidense, con el combate entre el Bien y el Mal que termina, como siempre, con la victoria del Bien. ¡Y, mira, no!», comenta complacido Pierre Christin, que ha trabajado con dibujantes como Enki Bilal, Annie Goetzinger o Jacques Tardi.

‘Uno de nuestros pequeños lectores’

«No hay nada que chirríe entre la película y nuestra serie que nos haga decir: ‘Pero nosotros nunca contamos algo así o nosotros nunca hubiéramos hecho eso'», confirma Jean–Claude Mézières, que ya había trabajado con Luc Besson en los decorados de la cinta «El quinto elemento».

Ni Christin ni Mézières participaron en la escritura del guión ni en la elaboración de los decorados imaginados por Luc Besson. Pero «lo que está bien de Besson es que fue uno de nuestros pequeños lectores, con 10 u 11 años, y que no hemos necesitado explicarle lo que es Valérian. Él ya lo había entendido», subraya Jean–Claude Mézières.

«No estoy convencido de que hubiera sido bueno que yo hubiera trabajado en el guión», admite Pierre Christin. «Nunca he disfrutando trabajando en cosas que ya había hecho».

Jean–Claude Mézières tampoco lamenta no haber sido consultado para los decorados o el vestuario. Los decoradores y los responsables de vestuario «se apoyaron mucho en los libros pero hicieron una transposición», explica el dibujante.

El guionista recuerda haber tenido «reticencias» respecto a la idea de que Cara Delevigne pudiera encarnar a su Laureline, la compañera «no convencional» de Valérian. «Modelos convertidas en buenas actrices, no las hay por docenas», zanja, antes de reconocer que la actuación de la actriz lo impresionó. «Cara Delevigne tenía ganas de ser actriz y lo acabó siendo en esta película».

«Siempre hemos tenido ganas de una adaptación al cine», dicen, a coro, los dos creadores, admitiendo que «un buen cómic no tiene por qué dar necesariamente una buena película». Pero, subraya Christin, entre risas, «esperamos que de un buen cómic se haga una muy buena película».


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Fotografía / México: Rafael Doniz expone «Simbología de la forma»

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Rafael Doniz
Donde nacen las estrellas, 2014, trabajo de Rafael Doniz (CDMX, 1948), incluido en la exposición que se puede visitar en el espacio cultural ubicado en Charles Dickens 33-B, Polanco. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 20 de julio de 2017. (RanchoNEWS).-El fotógrafo Rafael Doniz (CDMX, 1948), conocido por sus imágenes de pueblos indígenas como el cora, retratos de mujeres de varios lugares del país y héroes anónimos, ahora se desdibuja mediante Simbología de la forma, su exposición más reciente montada en la Galería Juan Martín. Merry MacMasters escribe para La Jornada.

Reúne 40 impresiones en plata/gelatina cuyas fechas van de 1996 a 2016. ¿A qué se debe?

Doniz responde que cuando comenzó con estos divertimentos lo llamaban mucho de las editoriales para que desarrollara ciertos trabajos.

Como «nunca he tenido una beca, porque no creo en este sistema, en este gobierno, dependía de mi trabajo personal para salir adelante. En un momento dado de cumplir y salir, ir y venir, me empecé a dar cuenta que mi quehacer tenía una merma. A modo de reacción, tampoco demasiado elucubrado, un día que estaba en mi estudio me dije: ‘a ver, tranquilo’. Puse música y empecé a revisar los objetos a mi alrededor: un caracol pequeño, una piedra, una rama, semillas, encontradas en mis viajes al interior de la República. Comencé a hacer estas composiciones como una forma de escaparme», explica en entrevista con La Jornada.

Trabajo hasta hoy inédito

En el tríptico de la exposición, Rafael Doniz escribe que Simbología de la forma es un trabajo producto más de un acto irreflexivo que de algo pensado y calculado. «Son imágenes realizadas por una necesidad que brota un tanto de mi inconsciente y movido por el deseo de romper con mi esquema heredado de ver la realidad solamente desde un punto de vista conceptual; lo asumo como un acto liberador de mi obsesión de ver».

Hasta el momento, el fotógrafo ha realizado un centenar de esos divertimentos íntimos y relajantes. Sin embargo, nunca con la intención de exhibirlos. Invitado a exponer en la Galería Juan Martín, sus directoras, Malú Block y Graciela Toledo, se interesaron por ese trabajo inédito, lleno de emociones, gustos y la insistencia del mirar de Doniz.

Los títulos de las obras, Los escritos de mar, Donde nacen las estrellas, Contemplando la luna, El sueño de la cigarra, Como es abajo, es arriba y En el templo de Osiris, recuerdan que el expositor fue discípulo y ayudante de Manuel Álvarez Bravo, quien le ponía especial atención en los nombres de sus obras.

Además, Block y Toledo querían la fotos en papel plata/gelatina. Aunque Rafael Doniz no ha dejado lo análogo, imprimir en este proceso para imágenes surgidas en blanco y negro resultó todo un reto.

«Me obligaron –prosigue el fotógrafo– a meterme de nuevo al laboratorio que por fortuna no había abandonado, ni estoy distante. Sin embargo, tuve que meterme muy duro para sacar en plata/gelatina», explica.

Prepara libro con El Fisgón

Rafael Doniz anuncia que próximamente saldrá a la luz el libro De gigantes a algunas quimeras, que prepara con el caricaturista Rafael Barajas El Fisgón. Es el portafolio de un proyecto que retoma un material que el entrevistado comenzó de muy joven cuando era discípulo de Manuel Álvarez Bravo. Sin embargo, por «pena» jamás mostró, porque nada tenía que ver con las enseñanzas de su maestro.

«Era otra mi intención, sobre todo había mucha ironía. Un día quise fotografiar a las prostitutas en la calle, en el barrio de La Candelaria de los Patos. Pude hacer una sola foto. Un personaje que estaba adelante de mi veía con sus dedos índice y pulgar como si fuera una lupa. Lo vi hacer un disparo, después tuve que salir corriendo, porque las prostitutas se dieron cuenta y me corretearon. El libro incluirá este tipo de imágenes chuscas que también tienen un sentido de acidez, ironía, de crítica y burla».

Es la primera vez que Doniz mezcla fotos en blanco y negro con las de color en un libro de su autoría. Las imágenes se acompañarán con un relato de El Fisgón.

(La Galería Juan Martín se ubica en Dickens 33-B, Polanco.)


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Noticias / México: García Cepeda cumple 6 meses en la Secretaría de Cultura

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La encargada de la cultura nacional. (Foto: Sunny Quintero)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 15 de julio de 2017. (RanchoNEWS).– La secretaria de Cultura federal, María Cristina García Cepeda, dice que le «gusta» le recién aprobada Ley General de Cultura y Derechos Culturales, pero difiere con ella. Para la funcionaria, el mandato que le impone la Ley de asignar «tarjetitas o valecitos» de cultura, le parece demagogia y afirma que en su administración será más importante llevar brigadas a lugares apartados para instalar pantallas en lugares públicos, donde se puedan proyectar funciones de danza, teatro o música, que entender los vales de cultura como un «programa asistencialista», escribe Luis Carlos Sánchez para Excélsior desde la Ciudad de México.

«No lo entendemos como ir a repartir vales. Para mí sería muy fácil irme ahorita en una avioneta al lugar más apartado y desde ahí tirar vales para que todos los recojan, pero, ¿de qué te va a servir un vale si ahí no hay una biblioteca, ni un teatro o una librería? No queremos que sea demagógico ni que sea algo asistencialista. A mí me encantó, no el nombre, yo no entiendo vales de cultura como tarjetitas o valecitos», dice la funcionaria en entrevista.

García Cepeda está cumpliendo medio año al frente de la Secretaría de Cultura, a donde llegó en enero pasado para sustituir a Rafael Tovar y de Teresa luego del deceso del funcionario. En la primera sesión de entrevistas que ofrece desde su llegada al puesto, afirma que administrar la cultura en México «no es un trabajo de varita mágica» y que si entre la comunidad cultural existe la sensación de que no se está haciendo nada en la secretaría, es porque ha decidido privilegiar el trabajo antes que exponerse a los medios de comunicación.

«A veces los medios de comunicación tienen información parcial, yo creo que nos tienen que ayudar, porque son quienes nos permiten dar a conocer el trabajo que estamos haciendo. Yo difiero: cuando dicen que no está pasando nada en la Secretaría de Cultura, yo quiero adjudicarlo a que yo no he salido a los medios a decir lo que estamos haciendo; he tenido mucho trabajo, he salido a los estados, estamos haciendo muchas cosas, pero me ocupo más del trabajo que de estar en los medios de comunicación», justifica.

Maraki, como la llaman sus amigos, ocupa los primeros diez minutos de la charla para definir el perfil con el que, dice, se asume como parte de un gobierno. Primero, vuelve a hablar de su compromiso con la cultura y de su interés en ella; después, cuando se le insiste, sostiene que le gusta asumir un perfil de liderazgo: «en la medida de que haya liderazgo se podrá llegar a buen puerto, hablo de un liderazgo no autoritario, un liderazgo donde hay que escuchar las voces, incluyente, plural, con compromiso. Si uno no ama lo que hace, difícilmente lo puede hacer bien; de ninguna manera me impongo, aquí no hay autoritarismo ni hay decisiones unilaterales».

A García Cepeda le tocó tomar un barco que de manera maltrecha comenzaba a andar. Los problemas de salud impidieron a Tovar y de Teresa perfilar completamente la dependencia creada el 17 de diciembre de 2015: «A mí me toca llegar a consolidar una Secretaría de Cultura», afirma. Desde que Enrique Peña Nieto llegó a la Presidencia ella sonó fuerte para encabezar el entonces Conaculta; su nombre se vinculó como uno de los más sólidos al lado del mandatario, quien acabó nombrándola como secretaria aun cuando su perfil como funcionaria siempre fue más bien discreto, al grado de que se le comenzó a definir de un perfil más bien timorato.

En marzo pasado, cuando dio a conocer los ejes que regirán su administración en lo que queda del sexenio, la funcionaria fue criticada por no presentar nada novedoso ni arriesgado. En gran medida justificó la situación por los recortes que afectaron a la dependencia.

Ya más encanchada, responde que ella no fue responsable del recorte que sufrió la secretaría en 2017, y que para 2018 no dejara de insistir en la importancia de que la dependencia reciba más recursos, aunque tiene cuidado de no comprometerse demasiado.

«Yo llegué en enero de 2016, en octubre de 2015 se designa el presupuesto, es una negociación que no me toca a mí llevar a cabo. Llegué a una secretaría con un presupuesto ajustado y mi compromiso es hacer más con menos. ¿Qué estamos haciendo ahora? Estamos trabajando en el presupuesto del año entrante, estoy haciendo reuniones con cada una de las instituciones de esta secretaría, ya están haciendo su programa de trabajo y determinando cuáles son sus prioridades. Nosotros siempre estaremos buscando mayor presupuesto para la cultura; yo espero lograr los mejores resultados, aunque todo esto no depende de mí sino de la situación general», afirma.

¿En qué cifra esta pensando?, se le pregunta.

Es muy difícil hablar de cifras, creo que sería muy desafortunado de mi parte hablar de una cifra cuando tendríamos que ver cuál va a ser la situación económica del país, lo que sí puedo decir es que no cejaré de hacer ver a las instancias correspondientes la importancia de la cultura y que ésta se vea como una inversión y no como un gasto; cualquier peso invertido en la cultura es para beneficio del desarrollo del país, tocaré todas las puertas que sean necesarias para hacer ver la importancia de nuestra cultura en el desarrollo de nuestro país, soy una convencida de eso y en eso sí me siento líder para defenderlo.

«Yo soy más positiva que tú, no veo el vaso medio vacío sino lo veo medio lleno», dice García Cepeda. La funcionaria cree abiertamente que en los medios de comunicación hay una visión negativa perenne de lo que hace. Ella, por ejemplo, a pesar de no estar de acuerdo con temas como los vales de cultura, dice que está satisfecha con la Ley General de Cultura y dice que ya trabaja en el Reglamento que la regirá. «Me gusta la ley, aunque siento que se puede enriquecer con muchas cosas, pero al paso del tiempo irá sucediendo. Siempre hay voces que difieren, lo que debemos de celebrar es que exista, yo celebro que exista una Ley de Cultura, no podría calificar si es light o no, yo califico que qué bueno que ya tengamos una Ley de Cultura».


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Literatura / México: En los 200 años de la muerte de Jane Austen

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Retrato de la escritora inglesa en su juventud. (Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 18 de julio de 2017. (RanchoNEWS).– Hoy se cumplen 200 años del fallecimiento de la escritora inglesa Jane Austen y por tal motivo reproducimos dos textos. El primero, «El frustrado amor de Jane Austen que inspiró ‘Orgullo y Prejuicio’», lo escribe Lara Gómez Ruiz para La Vanguardia de Barcelona; y el segundo La Redaccción de El Universal de la Ciudad de México y es titulado «¿Qué sabemos de Jane Austen a 200 años de su muerte?». Comencemos por el primero:

Seis obras y unas cuantas cartas con su hermana Cassandra son el único legado que dejó Jane Austen en el mundo de la literatura, pero fueron suficientes para convertirse en una de las escritoras británicas más célebres de todos los tiempos. Este martes se cumplen 200 años de la muerte en Winchester de esta incombustible autora, que a penas saboreó las mieles del éxito, pues tenía solo 41 años cuando una desconocida pero letal enfermedad acabó con su vida.

Era difícil de prever que un puñado de novelas íntimas, cuyas historias a penas traspasaban el umbral de la puerta de casa, seguirían siendo leídas y admiradas dos siglos más tarde. Y más, si eran escritas y protagonizadas por una mujer. Pero la pluma de Austen no entendía de prejuicios y supo ver más allá. Sus exitosas novelas, entre las que destacan Orgullo y Prejuicio y Emma, son aún objeto de análisis académico y múltiples adaptaciones cinematográficas. Sin embargo, poco se sabe sobre su vida privada.

La británica a penas conoció el amor, algo que resulta curioso, pues casi todos sus escritos están dedicados a este tema y las historias terminan con final feliz. Tras superar varios obstáculos, sus heroínas terminan consiguiendo el amor anhelado por todas las páginas de sus libros. Su vida amorosa careció de un Mr. Darcy, aunque tampoco le hizo falta, pues su avanzada mentalidad para la época iba más allá de las costumbres y los matrimonios de conveniencia.

Su amorío más sonado fue con Thomas Lefroy, el pariente irlandés de una amiga suya al que calificaba como «un joven elegante, guapo y agradable». La novelista tenía por entonces 20 años, al igual que el joven, pero la historia no fue más allá de un «amor juvenil», tal y como ella aseguró años más tarde.

Lefroy siempre ha sido considerado el amor frustrado de la escritora. La pareja se conoció durante una visita de la escritora a sus tíos en Hampshire, al sur de Inglaterra, y rápidamente se quedaron prendados el uno del otro. Bailaron, hablaron hasta altas horas de la noche y coquetearon, pero en menos de un año la historia siguió caminos separados, muy probablemente por la situación económica de ambos. La familia del joven pertenecía a la rama pobre de los Lefroy y de él se esperaba que se casara con una mujer de posibles para aliviar la situación financiera doméstica. Austen no encajaba en dicha descripción, pues para ellos era sólo la hija de un clérigo.

Sabían que su amor tendría punto y final, pero Austen prefirió ignorarlo. Un año después llegaba la fatídica despedida. Poco antes de que se separaran, ella escribió a su hermana: «Finalmente ha llegado el día en el que voy a coquetear por última vez con Tom Lefroy. Mis lágrimas fluyen mientras escribo sobre la idea de la melancolía».

Tres años más tarde, el joven se casó con Mary Paul, una rica heredera que sí cumplía con lo que esperaba la familia Lefroy y se mudó a Irlanda. La noticia cayó como un jarro de agua fría a la escritora, pero eso no le detuvo para seguir escribiendo, pues deja entrever en algunas de sus novelas pinceladas de la historia de su vida.

Lefroy y su mujer tuvieron siete hijos, cuatro chicos y tres chicas, la mayor de las cuales recibió el nombre de Jane. La británica, por su parte, nunca se casó ni tampoco le volvió a ver, aunque los críticos aseguran que este romance juvenil le sirvió de inspiración en Orgullo y Prejuicio. La calificada como «imposible relación» fue llevada a la gran pantalla en la película La joven Jane Austen, en la que Anne Hathaway interpretó a la joven escritora y James McAvoy al guapo abogado.

Las memorias de la escritora, plasmada en el libro Recuerdos de Jane Austen que publicó su sobrino James Edward, hablan también de un misterioso amor adulto con un hombre al que conoció «durante unas vacaciones en el mar». En el libro, su hermana Cassandra, al igual que su sobrino, explicaban que este fue «el único hombre del que Jane se enamoró alguna vez». Sin embargo, este desconocido amor no fue reflejado en sus obras, pues ocurrió después de escribir sus grandes éxitos. Según la publicación, el misterioso hombre pidió permiso a la familia para volver a ver a Jane tras su muerte, pero nunca pudieron volver a encontrarse porque él falleció de forma repentina.

«¿Qué sabemos de Jane Austen a 200 años de su muerte?»

La escritora Jane Austen fue una de las representantes del Romanticismo inglés por obras como Orgullo y Prejuicio, Emma y Sentido y sensibilidad. La autora, cuya muerte sucedió hace 200 años, causa polémica por los enigmas que hay entorno a su vida y su deceso.

La pionera en el estilo libre indirecto, técnica que permite ver la realidad a través de los ojos de los personajes y penetrar en sus pensamientos, murió de forma prematura en 1817. Sin embargo, Sandra Tuppen, curadora principal de manuscritos de 1601 a 1850 en la Biblioteca Británica, asegura que la autora murió envenenada por arsénico.

La curadora hacía esa afirmación porque los tres pares de gafas que presuntamente pertenecieron a la escritora tienen diferente graduación, por lo cual la autora padeció cataratas provocadas por envenenamiento.

No obstante, la Sociedad Jane Austen de EU refutó la teoría pues hay diversas formas de envenenamiento y las cataratas no solo se producen por arsénico.

La escritora falleció a los 41 años, y por eso se ha dicho que la causa de su deceso fue por cáncer, lupus, tuberculosis y enfermedad de Addison, trastorno cuando las glándulas suprarrenales no producen suficientes hormonas.

Esas no son las únicas teorías alrededor de la escritora. La historiadora Lucy Worsley asegura que la autora de Orgullo y prejuicio pudo tener relaciones sexuales con otras mujeres.

El porqué de su afirmación se debe a es que su posición social en la pujante clase media le impedía tener amantes masculinos pues la rigidez social de la época veía muy mal que una mujer tuviera relaciones sexuales fuera del matrimonio o quedara embarazada sin tener marido.

Worsley asegura que la misma Austen dejó constancia que dormía con amigas con cierta frecuencia y dijo que las personas estaban mucho menos preocupadas por el sexo lésbico.


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Libros / México: Presentaron «Fuego 20», nueva novela de Ana García Bergua

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Jesús Villaseca
En la trama está presente la invisibilidad del personaje, dijo Ana García Bergua en la Cineteca Nacional. (Foto: Jesús Villaseca)

C iudad Juárez, Chihuahua. 19 de julio de 2017. (RanchoNEWS).- El libro más reciente de la narradora y cronista Ana García Bergua, Fuego 20, publicado por Ediciones Era, aborda el incendio ocurrido en 1982 que destruyó la Cineteca Nacional y relata la historia de Saturnina, joven en búsqueda de identidad. Fabiola Palapa Quijas escribe para La Jornada.

La trama, ambientada en la Ciudad de México de principios de los años 80 del siglo pasado, tiene como protagonista a Saturnina, joven ingenua y convencional, quien un día decide llamarse Ángela para entrar a curiosear en una mansión de El Pedregal que está en venta y se ubica en la calle Fuego 20, y con ese cambio de nombre la chica suspende sus temores y prejuicios.

Durante la presentación del libro, efectuada hace unos días en la sala Arcady Boytler de la Cineteca Nacional, García Bergua, quien estuvo acompañada de la directora de cine Dana Rotberg y del crítico literario Christopher Domínguez Michael, expresó que escribir la novela «fue un encuentro emocionante» con una época y con personas que han sido muy significativas en su vida.

Explicó que en la trama está presente el poder mágico de la invisibilidad del personaje.

La colaboradora de La Jornada Semanal compartió con el público que en esa época laboró en la Cineteca Nacional, ubicada entonces en Río Churubusco y calzada de Tlalpan, donde hoy está el Centro Nacional de las Artes y recordó que fue una etapa importante, pues tenía un trabajo maravilloso: ver películas.

«Era una chamba magnífica. Sólo decía la copia está rayada y tenía que hacer la sinopsis de las películas y ese trabajo –era también el que hacia mi papá (Emilio García Riera)– me hizo mucho como escritora: contar las películas y esa labor la hizo él en los 18 tomos de Historia documental del cine mexicano

Ana García Bergua dijo que sintió enojo y frustración por el incendio de la Cineteca. Ese día ella no fue a trabajar y siempre se quedó con la duda de que pudo haber sufrido quemaduras. «Siempre he tenido mucha curiosidad al respecto, porque no pudieron haber sido tres personas las que se quemaron ahí. Estuve investigando para este libro y alguien me contaba que un médico que trabajaba en el hospital de los quemados dijo que llegaron como 20 personas que ya no tenían remedio.

«Siempre me he preguntado por los familiares de los que sufrieron quemaduras; esa gente por qué nunca ha hablado. Jamás han aparecido ni cuando se hizo el documental del incendio de la Cineteca se manifestaron».

¿Más de tres víctimas mortales?

García Bergua dijo que en el evento ocurrido el 24 de marzo de 1982 en la Cineteca Nacional, se perdieron vidas humanas e imágenes del cine. «Fue una tragedia de corte fantástico, porque se quemaron muchas historias ahí», añadió.

Dana Rotberg coincidió con la autora en que fueron más de tres personas las víctimas. «Fue una época en la que no se hablaba de nada y había mucho terror. No había redes sociales; me enteré de lo ocurrido en la Cineteca por teléfono. Creo que había muchas personas en el lugar porque al día siguiente ahí estaban los zapatos, que Ana recuerda magníficamente en la novela, pero como se acordonó la zona nadie más se pudo acercar. Será uno más de los dolores irresueltos de nuestra historia, la real y la fantástica».

Para Rotberg Fuego 20 le resultó un texto íntimo y personal porque habla de una generación y de un pedazo de su historia que permenece guardado como una pesadilla irresuelta.


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Caricatura / Entrevista a José Palomo

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Elizabeth Velázquez
El humor, dice el dibujante chileno en entrevista, «quizás sea una herramienta o artilugio que busca el entendimiento». (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de julio de 2017. (RanchoNEWS).- «Lo más cercano al humor es la poesía», dice el humorista gráfico y dibujante editorial José Palomo Fuentes (Santiago de Chile, 1943), quien a partir de mañana lunes colaborará en las páginas de Excélsior con su inobjetable humor, cuyo estilo de pocos trazos, fácil lectura y una dosis exacta de sátira y comedia aportará un dibujo sutil y agudo como el sonido de un moscardón en vuelo. Una entrevista de Juan Carlos Talavera para Excélsior.

Sus amigos lo llaman Pepe Palomo, es reconocido por su célebre tira de El Cuarto Reich y el cuento infantil Matías y el pastel de fresas, considerados como dos joyas del humor universal que dibujó este caricaturista que suma 54 años de intenso trabajo.

Desde hace varias décadas forma parte del canon que incluye a humoristas como Joaquín Salvador Lavado Quino y Ziraldo Alves Pinto —con quienes colaboró—, y de Guillermo Mordillo y Sergio Aragonés. Su mirada es distraída y en ocasiones recuerda su llegada a México como exiliado político tras el golpe militar de 1973.

A pesar de todo, nunca se ufana de ser un sobreviviente de la dictadura ni sobrevalora el peso de los recuerdos que lo llevan a releer al poeta Pablo Neruda o reescuchar al cantautor Víctor Jara.

«Desde que me conozco, como dicen en Argentina, leo poesía, y cada tanto hago el ejercicio de graficar metáforas; es sorprendente lo que puede surgir de ese ejercicio. Aunque para aprender a relacionar, mezclar, cambiar e imaginar… nada mejor que leer y mucho».

¿Coincidiría en que la poesía y la caricatura son rutas para escapar de la barbarie y de la monotonía?

¡Absolutamente! Por eso cuando veo fotos de milicos chilenos quemando libros, pienso que esos pobres infelices no imaginaron nunca qué hubiese ocurrido si, en vez de quemarlos, los hubiesen leído. Cada tanto dibujo a mi terrorista favorito, una sombra que, furtivamente, lanza a un cuartel un ejemplar del Quijote o La isla del tesoro.

¿Qué tanto ha cambiado el humor en los últimos 40 años?

Henrique de Souza Filho Henfil, uno de los más alucinantes humoristas gráficos brasileños, decía que el humor es como el vino. Y así como las vides y sarmientos, combinados con el clima, la luz solar y el agua, dan desde un clarete a un vino grueso rojo y denso, de la misma manera cada sociedad elabora el humor con el que procesa su experiencia de vida social. Claro que hay matices diferentes a una experiencia común, que es el humor universal, y donde hay ejemplos como Chaplin, Chespirito, Condorito, Mafalda y un largo etcétera que impactan la sensibilidad de las grandes comunidades.

¿Dónde encuentra inspiración?

Ayuda el aprender a mirar, a descifrar, a distinguir lo aparente de lo real, ver lo invisible, y el estar informado con las mejores fuentes posibles, y a relacionar de la forma más arbitraria y creativa posible.

Saul Steinberg, uno de los maestros de mi generación, decía que «dibujar es reflexionar» y habría que agregar: rayar, bocetear, simplificar, cargar, subrayar, etcétera. Sacar a pasear el punto y convertirlo en línea, como sostenía Paul Klee, puede llevarnos a que esa línea nos entregue una imagen que contenga y comunique una idea, la cual podría provocar una sinapsis que culmine en una sonrisa en el lector. Ahí entonces tenemos una misión cumplida, diría un militar. Para mí, dibujar nunca ha sido un trabajo, así que he hecho lo que me gusta: dibujar. O sea que no he trabajado nunca en mi vida.

¿Por qué el humor gráfico es un acompañante imprescindible de nuestro tiempo?

Porque un buen cartón, de humor inobjetable, en pocos trazos, de fácil lectura nos entrega información, opinión, sentido crítico y algo de sátira y comedia. Es un medio de lectura inteligente.

¿Qué opina del humor mexicano?

¡Es tremendo! Una ocasión tuve la suerte de asistir, por obra y gracia de una puntual chiripada, a una reunión en el teatro Jorge Negrete donde se juntaron muchos personajes dedicados al humor. Creo que ha sido la única reunión ecuménica de los trabajadores del humor hasta el día de hoy. Allí estuvieron todos, o casi, desde Adalberto Martínez Resortes, hasta la comunidad del Chavo del Ocho, Ausencio Cruz y su carnal Víctor Trujillo, el Loco Valdés, y ora sí que un largo etcétera.

Exilio y destino

A principios de septiembre de 1973, José Palomo salió de casa y se fue al trabajo, de regreso visitó a sus padres y más tarde uno de sus vecinos, un exiliado brasileño, lo llamó por teléfono para contarle que afuera de su casa la policía había puesto una trampa para detenerlo.

Durante los siguientes días buscó un refugio, hasta que llegó a casa de una amiga y encontró a un grupo de ingenieros agrónomos mexicanos, quienes viajaron a Chile para trabajar con Salvador Allende.

«Ellos me aconsejaron ir a la embajada de México en Chile y ahí quedarme hasta que amainara la tormenta. Pero, al llegar, el embajador me dijo que no podría salir de ahí porque sería detenido y llevado al Estadio Nacional de Santiago, como sucedió con mucha gente de la que nunca más se supo», recuerda.

Llegó el 11 de septiembre y el caricaturista recordaba su cita con Víctor Jara, con quien celebraría la aparición de su disco Canto por travesura, ilustrado por Palomo. Sin embargo, no pudo salir de la embajada y más tarde supo que no sólo habían rodeado y baleado la Universidad Técnica del Estado, sino que habían detenido a Jara, para luego torturarlo y asesinarlo en el Estadio Nacional de Santiago.

«Pero ahí está el detalle de mi primer encuentro con Excélsior», cuenta Palomo, «cuando, poco antes de salir en uno de los vuelos que nos trajeron a México, encontré en la oficina del consulado mexicano un ejemplar de Excélsior, el cual me puse a leer rodeado de una multitud. Semanas después salí en uno de los vuelos que hizo la embajada a México y aquí estamos, cerrando un círculo con este periódico que vi aquel día».

¿Cómo influyó el exilio en su trazo, en el contenido de su caricatura?

Mis abuelos paternos llegaron, muy jovencitos, empujados por el hambre producida por los coletazos de la Primera Guerra Mundial, desde España. Crecí entre transterrados que llegaron de la Europa que quedó demolida por la Segunda Guerra Mundial, con sus largos impermeables negros, alemanes, yugoslavos, checos, rusos, franceses... Después llegó el exilio producto de las dictaduras militares que el Pentágono y la Casa Blanca instalaron en América del Sur. Y oí atentamente a todos mis amigos sobre sus experiencias. Digamos que el exilio me encontró instruido sobre el tema, una experiencia que no le deseo ni a mi peor enemigo.

¿Qué le diría hoy a Augusto Pinochet?

PinoSHIT fue un alumno distinguido de La Escuela de las Américas, que realizó con obediencia debida las ordenes de sus superiores Kissinger, Nixon y el general Vernon Walters, destruyendo la república y a su hija, la democracia. Impuso una constitución que anula el Estado y deja el erario en manos de los parientes, como su yerno Ponce Leroux, emprendedores incondicionales al modelo, creando nuevas fortunas que son las que gobiernan la nación. Hoy Chile ve cómo la oficialía de las fuerzas armadas y la policía uniformada saquean dinero del erario, confirmando que «la transición a la cleptocracia ha sido todo un éxito», transición que ha sido sellada con la ofrenda del Pentágono de Fort Aguayo, en el balneario de Concón, donde se instruye a militares nacionales y extranjeros a «combatir al enemigo interno» sin ir a Fort Bragg, Fort Benning, o la Escuela de Las Américas.

¿Qué recuerdos le dejó El Cuarto Reich?

Recuerdos no, pero sí una realidad contante y sonante, con ese modelo de capitalismo salvaje que exalta el individualismo, que mata al prójimo, que saca la codicia del baúl de los pecados capitales y la pone en el escaparate de las virtudes de rentabilidad celestial, que replica las vigas maestras de El Cuarto Reich, urbi et orbi, en la economía globalizada.

El gran Gore Vidal, el más importante intelectual disidente en Estados Unidos terminó una de sus últimas entrevistas anunciando cuál era la meta del gobierno de Baby Bush, un adelanto de Donald Trump, pero con varios jaiboles entre pecho y espalda: «instalar el Cuarto Reich en todo el planeta».

¿Por qué es una tira más que vigente?

Viajeros que recorren el continente me aseguran que las condiciones que produjeron El Cuarto Reich siguen más que vigentes. Los cinturones de arquitectura autodidacta y espontánea brotan como callampas (setas) en las comunidades ninguneadas y marginalizadas del modelo libremercantil. Así que sigo anotando en mis libretas guiones de la tira, pensando en un soporte que la acerque al lector.

¿En qué piensa cuando el espacio no le alcanza para decir todo lo que quiere?

El trabajo del humor es como el del escultor: el arte está en saber quitar lo que sobra para dejar visible lo esencial.

¿Cómo ha conseguido crear tantos personajes?

Tiro muchas rayas y lleno muchas libretas, cajas con libretas que cada tanto reviso y, sin ánimo de buscar y sí de encontrar, encuentro. En una esquina de una página encuentro una idea que se quedó sin remate, a medio cocer, le agrego la solución que me da la relectura, a veces hasta con años de distancia… y ya está.

¿Le gusta el mundo en que vive?

Lo censurable son las dificultades que impiden a los habitantes de América Latina desarrollar sus talentos y vida en plenitud. ¿Cuántos genios, en todos los campos, perdemos todos los días?

Para terminar la entrevista, Palomo habla de uno de los proyectos que le han traído mayores satisfacciones: el programa Primaria Intensiva para Adultos (PRIAD), el cual «buscaba motivar a miles de adultos que por distintas circunstancias debieron abandonar la escuela y no completaron su educación primaria», utilizando el humor.

Para ello el gobierno mexicano integró un selecto grupo de profesores y pedagogos de alta calificación de México, y del resto del continente, con quienes elaboraron ocho libros de 200 o 300 páginas con una o dos ilustraciones por página.

«En los 60 el humor era un arma para combatir, pero la vida me enseñó que el humor es lo más ajeno a la carrera armamentista, más bien el humor desarma, crea explosiones de empatía e invita a reír colectivamente. Ergo, quizás sea una herramienta o artilugio que busca el entendimiento y no la confrontación. Así que aquella fue una gran experiencia, pero se terminó cuando llegó Vicente Fox», concluye.


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